2022/2023 Bandwork Recap

Summer 2022 – Discontinuation of „Night Voc“

October 2022 – Lost Without Band formed at Music School Linz

April 2023 – Rehearsals for the realization of the concept album „Life and Death of a Dream“ start

2023 – continuous solo experiments

November 2023 – planning EP with Lost Without

2024 – Premiering Life and Death of a Dream in concert

Night Voc

Among my reasons for not continuing within this project was that the songs I am writing usually ask for a variety of different genres, in short I was writing songs for 4, possibly 5 different bands. Compromising meant to realize all songs half-heartedly, stripping them from their concept and context. My interest in a purely modern Indie Rock Project grew, as well as my interest to found a more progressive, open art rock group. As a band, we did not manage to embrace either style fully and give up on at least half of the catalogue we had already established. Eventually the differences in vision caused us to split.

play w yourself

After seperating from the band I had worked with for 5 years, I felt sad and lost. The prospect of stepping up to become a band leader to the type of project I envisioned was too scary to face at the time, as I didn’t have much confidence in my abilities. I found creating an album completely on my own to be the ideal way to bridge the gap, where I got to be completely free of genre and marketing expectations, only realizing what I found within myself and understanding the level of my skills. Not knowing what I wasn’t doing well turned out to be scarier than knowing.

Lost Without and Prog Rock Project

I am currently singing and songwriting in two bands that represent exactly my main fields of interest. While Lost Without is a straight forward Indie Rock Project with other young musicians who are ambitious and learning, the Prog Rock Band is an ambitious conceptual project, bringing together different, very skilled and unique musicians to create something out of the ordinary. My guitar skills are too weak for this one, but so far the songwriting and singing is coming together nicely with the input of the rest of the band. I also still pursue my solo work as a way to deal with ideas that are not the right fit for either Group and with this I find myself fully occupied.


Coming from an intuitive approach to making music, learning theory at music school really expanded my horizon in songwriting, arrangement as well as communication with other band members. I also profit from practical input in songwriting and arrangement.

Additionally, studying in the master of timebased media provides me with the insight I need to reimagine and contextualize my work in a deeper way. I always find myself looking for a new path to take, but when I lack the ideas it’s frustrating. As much as striving for musical professionalism takes away from my sense of my own perceived inventiveness (an important motivator), dealing with transmedia art feeds back into it. I am enjoying this dynamic.


A band is a team, the team is comprised of individuals. There is no way to control what happens, but that is part of the appeal. Working alone really showed me how much I love working with others, while it also gave me solid ground to fall back to and a place to experience complete artistic freedom. Whatever happens, I’m hoping to continue expanding my horizon.

The story of an hour x Alien (1979)

This is an exercise for my first semester in the Master of Timebased Media.

I chose to work with a short story by Kate Chopin: The story of an hour.

It’s about a woman with a heart weakness who is told that her husband passed away. She cries among relatives and then withdraws to her room where she begins to ponder on the implications of her husbands untimely death. Although he had loved her very much and she knows she will be grieving him more once she sees his body, there is a joy that comes upon her – the joy of freedom. As she realizes that the years to come belonged entirely to her and she embraces this new chapter of her life with all her heart, it unfortunately gives in – she dies of heart failure.

To create a sound from this story, I put myself in her position and performed a vocal improvisation based on the feelings I was experiencing. I also read part of the story in the beginning to get into the mood. In the spirit of musical improvisation practice I added three layers of first take acoustic guitar improvisations, one layer of flute and one layer of maracas, aiming to accompany the vocals and react to different aspects of the improvisation.

While working on the murmuring task I accidentally created something that sounded like an alien, so I murmured over this scene from the movie Alien (1979). When I importet the files into Premiere I got curious to see what would happen if I added my soundtrack from the story to this completely unrelated scene from Alien and was pleasantly surprised how much these two pieces of media work together to create something completely new. Even though the only connection between them is death.

Thoughts on Music in transmedia art

A transmedia approach towards music

„In the best case, this concept guarantees the greatest possible freedom beyond rigid boundaries of media, genres or disciplines.“

Wherever boundaries are accepted and reinforced, artistic monotony becomes a frightful possibility. Within music alone, the rigid genrefication meant to ease the discovery of what’s pleasurable endangers the worth of art which lies beyond pleasure. Whoever has attempted to master any skill is no stranger to that. Within art, we separate works according to form, content and relevance. At what point do we begin to take away from each of these properties by locking them with others of their kind? Polarization appears to have some sort of underlying spectrum, from useful / connective over product-oriented to disconnected. Transmedia art as a discipline is dedicated to an existence in between and misplaced. It seems impossible to grasp the essence of a person by viewing their existence through a variety of situations – how many does it take to perceive the transcendental? Yet, transcendence may not be achieved through what is but rather through what keeps being done.

„It is important to grasp each medium in the spectrum and history of its identity. Through such a practice – precise analyses instead of ‘anything goes’ – the best forms of expression and translation for the respective contents can be developed.“

Therefore, each aspect of live performance, music and the album as medium requires to be thoroughly examined to discover what has been lost in translation and make an informed decision on how to go about remixing and reintegrating them into a modern artistic context.

Music as a medium

What makes this undertaking so complex is that music as a medium appears in many more diverse forms than the static waveform. The phenomenon “music” exists across a plethora of contexts:

  • Musical Storytelling (being the oldest form)
  • Live Performance (the context in which it appears most classically)
  • Instrumentation (arrangement choices dictating the relevance of a piece)
  • Recordings (a context developing parallel to technical development in the field, but usually associated with a single, ep or album format)
  • Cultural (music is born out of and intensifies / creates cultural movements as an expression of shared experiences)
  • Artistic (there is an extended history of modern artists working with or being musicians, using instruments within their art or designing covers for albums)
  • Audience (their availability and responsibility influences the mutual experience)
  • Social (the musician is expected to stage their identity (or have it staged for them), through cross platform content creation; music can help others stage their identity)

Furthermore, there are already established methods for presenting certain art forms with music:

  • Music Video
  • Live performances at vernissage
  • Visuals at concerts
  • Reading and live music

While these are valid ways of connecting the art forms, it is arguable whether these constitute as the “best forms of expression and translation for the respective contents” – this has to be decided for the respective artwork and situation. Nevertheless, following conventions blindly is not a part of my personal definition of interesting art which serves as my main motivation to challenge my blindness in the matter.

Musical Storytelling

Music relays information. To tell a good story means relaying the information that is wanting to be understood in a memorable, engaging manner. It is challenging to memorize a short story word by word – summarized in rhythmical and possibly melodic form, it comes more easily. The mind finds rhythm in every sound, even in image. The passing of time itself induces a perceived rhythm of the experiences filling it. There is rhythm to a story, to the ways it expresses itself, which does not have to be accompanied, but, in theory, could be accompanied by anything suited to move or be moved. An artwork which has once existed in this way, will not stop moving as long as it has not been forgotten. That is the power of storytelling.

  • Concept albums

Contrary to the convention of letting the song tell its own story and filling an album with an outwardly not fully related collection of them, musicians sometimes choose to conceptualize and present a story within the course of an album. When and why did that first come about? Why did the prog movement cause such a conglomeration of them to make it into pop culture? What are the implications of choosing the album as the primary output of the message (f.e. The Wall Album vs Movie)?

About choice in media

How do you choose the best media for a message? What thoughts go into choosing a media? For me it tends to be the format that comes most naturally.

If cross media translations are possible, the choice of making an album does not weigh much more than choosing to write a book, a graphic novel or making a short movie.

Oftentimes, it is not the content which dictates the form, but rather the people involved and the skills they have. The work is tuned to the supposed reception by an audience. Some audiences are expected to be educated and do some work of their own to listen when hearing, to grasp when watching, to transcend when touching. The less work the audience is expected to do to understand, the more forward and skillful the execution of an idea needs to be in order to reach them nonetheless. This spectrum is three dimensional, too – for a skillful execution does not necessarily equate high quality, nor does it equate a general positive reception.

Projekt D Update „Perceptible Data Item“

Ich möchte mein Projekt gerne als Möglichkeit nutzen, ein Statement zu machen ohne es ausformulieren zu müssen, ohne die Fragen zu beantworten die in einer wissenschaftlichen Arbeit beantwortet werden müssten.

Ich dachte, ich könnte meine Gedanken in einem erzählerischen Video umsetzen und dafür eine KI einsetzen, allerdings habe ich in einem Vortrag heute folgendes Zitat aus zweiter Hand gehört: „Leave out everything you can. Now do what you need to do.“ o.ä. und in dem Sinne habe ich versucht, mich an eine effizientere Art, mein Statement zu machen, heranzutasten.

Inhaltlich und zum Thema KI habe ich mich unter anderem mit Interviews mit Joscha Bach beschäftigt – deutscher Forscher für künstliche Intelligenz und Kognitionswissenschaftler mit den Schwerpunkten kognitive Architekturen, mentale Repräsentation, Emotion, soziale Modellierung und Multiagentensysteme. Er leistet in diesem Feld einen spannenden Beitrag zur Relation Mensch – KI; gibt es eine inhärente Menschlichkeit etc.

In einer Diskussion im Format „Sternstunden der Philosophie“ setzte man die Entwicklung dieser neuen Technologien eher mit der verursachten Wunde (ein stetiger Verlust der Selbstverständlichkeit und Überlegenheit des Menschen) in der Menschlichkeit gleich. Das ist für die meisten Diskussionen der Hauptansatz. Joscha Bach hingegen fokussiert ein vertieftes Verständnis unserer Menschlichkeit durch die neuen Systeme, das Aufgeben unserer Selbstverständlichkeit wirkt schmerzlos und vielleicht sogar nachrangig.

Mein persönlicher Zugang baut auf dem Prinzip, dass eine Sicherheit des Mensch seins vielleicht nicht aus seiner Funktion – Wie funktioniert der Mensch, wie kann er besser sein und besser bleiben? – sondern aus seiner Nichtfunktion – Schwächen, physiologische und psychologische Grenzen – gewonnen werden kann. Auch KIs sind an ihre Materialität gebunden, die vor allem zum Vorschein kommt, wenn sie an ihre Grenzen stoßen. Über die menschlichen Grenzen also zur eigenen Materialität zurückkehren.

I am a perceptible data item in a cloud of possibilities.

Changes of any kind are not so scary, because we change all the time, there is nothing solid about us – even if there may be poetry in obsessing over purpose and transcening qualities of human culture.

AI technology is investigating quite large concepts, it’s metaphysical, but has equally evolved into my own way of considering the relativity of the human through the lens of a subjective human mind.

You could also say we find a lot more stability in trusting that we will not always work instead of possible ways we might work (that might get taken over yet again by new technologies)

I cannot exploit myself infinitely and there is a serenity, an unshakeable humanity in that.

Mein erster Ansatz wäre meinen Körper an ein Limit zu bringen (zB mit ausgebreiteten Armen (=Videospiel Charakter Pose) so lange wie möglich ganz still zu stehen) bis ich nicht mehr kann. Die Grenze zwischen Perceptible Data Item und mir als Person bleibt unklar. Ist die Grenze auch nur Teil des Datensatzes? Oder breche ich damit aus meinem Dasein als PDI aus?

Perceptible Data Item ist meine Allgemeinbeschreibung für Personen oder Dinge, bei denen nicht definiert ist, ob sie „künstlich“ oder „echt“ sind. Man weiß über das Perceptible Data Item nur genau das: es ist wahrnehmbar, es ist informativ, es ist ein Element / Bestandteil.

Projekt D Update

Mein aktueller „Drehplan“ verwendet die ursprünglichen Ideen und Dialogfragmente aus der Alltagswahrnehmung als Frau in künstlerischen Tätigkeiten, bezieht sie aber stärker auf mein in der Bachelorarbeit untersuchtes Thema der Gegenwartskunst und ihrer Herausforderungen.

Unter dem Arbeitstitel „Spiritus Dilirium“ unternehme ich den Versuch, meine bildlichen Ideen mithilfe der künstlichen Intelligenz Dall•e umzusetzen und im Zuge dessen eine persönliche Erfahrung zum Thema „künstliche Intelligenz als Prothese“ zu machen.

Als Künstlerin hat man manchmal das Gefühl, man lässt sich absichtlich auf Verrücktheiten und Obsessionen ein, die sich durch ihre Anwendung in der Kunst zum Guten verwenden lassen. „Spiritus Dilirium“ steht für eine assoziative Reise durch die Destillationsversuche des Seins und des Möglichen. Der gewünschte Effekt wäre eine Alice im Wunderland’sche Reise durch eine künstlerische Selbstfindung oder -verlierung.

Die „Verfilmung“

Wie müssen die Bilder aussehen, um sie als Bewegung wahrzunehmen?
„Zeichnungen“ funktionieren am Besten

Das Datenmanagement stellt das größte Problem dar: Es ist zwar möglich beliebig viele Bilder mit Dall•e in kürzester Zeit herzustellen, aber damit die Einzelbilder vom Auge zu einer Bewegung zusammengefügt werden müssen sie recht ähnlich sein und bis jetzt habe ich kein Programm entdeckt das die einzelnen Frames nach diesem Kriterium automatisch sortieren könnte. Die Bilder händisch zu sortieren und zu einer Bewegung zusammenzuführen stellt auch einen ziemlichen Zeitaufwand dar, was auf jeden Fall zu bedenken gegeben werden muss. Insgesamt benötigt man aber definitiv weniger Zeit, als wenn man zB jedes Einzelbild malen würde. Zur Debatte steht auch eine geschicktere Verwendung der statischen Bilder. Wenn man mit weiteren großen Entwicklungen in die Richtung rechnen kann, dann wird die Möglichkeit einer „Mentalen Fotografie“ – Bilder quasi direkt aus dem Kopf in die Realität – plausibel.

Drehplan“ / Szenen

(A forest of pupa, guitar music)

(dog playing guitar)

you reached for the secret too soon…

oh i didnt notice you there

my perception must be out of line

(color coming out of line)

a radical refusal of referentiality

yet i reference the eye

what art could be without being perceived?


i used to make movies about stickhorses…


(woman giving presentation)

welcome to the presentation of my main artwork that defines my whole identity and lifestyle as an artist and is therefore set up to be absolutely inadequate,

it’s made through the means of mental photography

basically, a recording of thoughts

which is all anything ever is no?

but we’re not going to ask questions of relevance, please no (movie countdown)


(synth string music)


(moth from worm)

unpleasant, uncomfortable truth





so white so clean

so beautiful it hurts


just color

color color color color color….


so if i can create anything, what will it be this time?

her highness maybe

something dark and sinister


A long, long time ago, behind a whirlwind of colors and ideologies, neon lights and satin cloaks, there was the body and there was art.

Like a beautiful and immensely precious crystal, so bright that nobody could possibly lay eyes on it, though they try desperately, it lays at the core of all humanity, driving us forward. Today, like a fairy land it drifts into the mists as we struggle to believe, as we sacrifice our callings for „bigger“ things. As easily as one might have given their baby girl in favour of a son when society made it worthwhile, we let go. As simple as one cut, severing the umbilical cord. Cast as the night with her shadows, with the feminine, with the arts.


i feel like i already did all of this

i guess i’ve kinda seen it all


you do not always have to have an answer or be able to explain things to yourself, but dont make yourself unwell or remain unwell thinking that is the thing, as an artist you are meant to create and you will always find reasons to do so, life has its own challenges for you, so dont challenge yourself additionally. this way you stay around longer and can create more art


sometimes I am happy

I do get happy


often enough?

maybe not

I’m I’m working on it


huh you again? i thought you were trying to find higher art. here is really not the place….

(going along tunnel until the light at the end)


sorry but nothing exists here…

idk what to tell ya kiddo, get in line or disintegrate.. (disintegrates)

why would you just leave me alone.. (Sadness, Darkness)

becomes leaf, leaf wraps worms, becomes pupa

forest of pupas, dog….

Leseliste, Forschungsideen

Ich habe mein Arbeitsthema rückgeführt auf eines, das mich ursprünglich bewegt hat und auch ausschlaggebend für meine Drehbuchtexte waren: die Vermarktung und Fetischisierung von psychischen Krankheiten bei Frauen, die mir bereits in vielen Filmen unangenehm aufgefallen ist und meine eigene Entwicklung als Künstlerin stark beeinflusst hat. Dieser Zwang zur Selbstdarstellung, nicht als Selbstzweck sondern als Performativität einer erlernten Weiblichkeit, ist letztendlich Hauptmotor meiner filmischen Arbeit. Um mein Wissen in diese Richtung zu erweitern, habe ich die folgenden drei Bücher aus der Universitätsbibliothek entlehnt: Female Forms: Experiencing and understanding disability (Carol Thomas), Diversity in Disney Films (Johnson Cheu), Transgressive Bodies (Niall Richardson). Ich möchte auf diese Weise eine wissenschaftliche Arbeitsgrundlage für Filmanalysen (möglicherweise Body & Soul – der Film, der mich zu dem Thema inspiriert hat) und die Weiterentwicklung meines Drehbuches schaffen.

Zu den anerkannten Beeinträchtigungen zählende psychische Krankheiten, deren Leidtragenden die Teilnahme am alltäglichen Leben durch soziale Hürden und systematische Ausgrenzung erschwert wird, wie es gemäß dem „social model of disability“ formuliert ist, werden auch im Film zum Opfer teils sexuell angehauchter Ausnutzung. Ist die Verwendung von weiblichen Charakteren mit psychischen Krankheiten in der Filmkunst eine lediglich als Inklusivität getarnte Fetischisierung? Allgemein kann man diese Frage nicht beantworten, aber ich möchte mich ihr anhand von Beispielen und wissenschaftlichen Arbeiten nähern.

Die Notwendigkeit der Filmanalyse im Sinne der representation studies ergibt sich aus der fehlenden Nähe Betroffener zu anderen – Internet und Fernsehen sind für viele der erste und häufigste Berührpunkt mit Menschen, die unter einer bestimmten Beeinträchtigung leiden (s3 Transgressive bodies). Diese Berührpunkte gestalten sich in der heutigen Medienlandschaft divers, zum größten Teil als Folge moderner Marketingstrategien aber auch durch die Nutzung allgemein zugänglicher Kanäle von authentischen Repräsentativen. In Transgressive Bodies behandelt Niall Richardson auch die Art der Fehldarstellung, die nicht von einer Angst vor dem non-normativen Körper rührt, sondern bei der die Macht der kontemporären Kultur, den Körper zu formen als Sensation im Augenmerk steht. Ich denke, dieses Prinzip lässt sich auch auf den Geist ausweiten: viele Werke lassen die Krankheit selbst in den Hintergrund rücken, im Fokus steht der Auslöser der Krankheit oder die Bedeutung ihrer Symptome für eine Geschichte. So wird der Suizid der Mädchen in „Virgin Suicides“ zu einer Errungenschaft, einer fast magischen, bewundernswerten und doch mysteriösen Tat, während der Suizid von Jackson in „A star is born“ ein einschneidendes, traumatisierendes Erlebnis darstellt. In „On body & soul“ wird Márias Autismus inhaltlich mit der Schwäche und Verzweiflung in ihrer sonderbaren Liebesbeziehung mit Endre synonymisiert. Gerade um populäre Filme wie “Virgin Suicides” oder Serien wie “13 reasons why” bilden sich online Subkulturen, die die Charaktere im Film romantisieren. Was sind die genauen Unterschiede einer verherrlichenden und einer “gerechten” Darstellung einer psychischen Krankheit? Gibt es statistisch Unterschiede zwischen der Behandlung von männlichen und weiblichen Figuren in diesem Bereich?

In „Transgressive Bodies“ beschäftigt sich Niall Richardson unter anderem mit der kontroversen Körperintegritäts-Identitätsstörung – der krankhafte Wunsch, eine körperliche Behinderung zu erlangen. Gibt es Parallelen die beim Erschließen der Subkulturen die sich um psychisch kranke Filmfiguren drehen helfen können?

Thematische Orientierungen

Wenn es denn als Zielvorstellung medienpädagogischer Arbeit gilt, mit
Hilfe der Analyse Strukturen von Medienprodukten deutlich zu machen, um so ganz im Sinne der Aufklärung zu einem aufgeklärten, medienkompetenten Umgang mit ihnen zu erziehen, dann müssen andere Faktoren mit einbezogen werden, neben der Produktion auch die Rezeption. Dabei geht es aber nicht darum, die Produktion und die Rezeption von Filmen getrennt von den Filmen selbst zu untersuchen, sondern sie in die Analyse der Filmtexte zu integrieren. Es geht also darum, in der Analyse die Prozesse des Filmverstehens (vgl. MIKOS 1998b) und des Filmerlebens (NEUMANNIWULFF 1999) herauszuarbeiten, d.h. wie Filme verstanden und erlebt werden. (aus Film und Fotoanalyse in Erziehungswissenschaft)

Wie könnte sich ein ›politischer‹ Film sinnlich konstituieren? Wie würde ein solcher ›politischer‹ Film aussehen, sich anhören? Wie ließe sich das Politische der Kunst über ein reines Zeigen des Politischen hinaus definieren? Wie ist oder wird Film, und hier spezifisch das Kino von Frederick Wiseman, ›politisch‹? Was ist das Politische am ›politischen‹ Film; und was kann überhaupt unter dem Politischen bzw. der Politik verstanden werden? (Politiken der Filmästhetik, Samuel Döring)

„Wie ließe sich das Politische der Kunst über ein reines Zeigen des Politischen hinaus definieren?“ finde ich eine spannende Frage. Ästhetiken haben immer eine Geschichte – wenn sich der Zweck der Kunst nicht mit der Herkunft der Ästhetik vereinen lässt, stößt das oft auf Ablehnung oder auch verstärktes Interesse.

Weiters thematisiert mein derzeitiges Drehbuch stark die Beziehungen zwischen jungen Frauen und Männern und spricht ein paar wunde Punkte dieser Generation an. Daher möchte ich mich auch mit dem Thema Feminismus im Film nicht nur inhaltlich sondern auch ästhetisch beschäftigen.

Performance / Begleitvideo



“Freiheit” ist das dokumentarische Begleitvideo zur Performance “Politische Haut” die aus politischer Frustration, dem Druck zur Selbstdarstellung und einem allgemeinen anhaltenden Weltschmerz entstand. Es ist angenehm, in der eigenen Blase zu bleiben, nicht als Gutmensch oder Nazi abgetan zu werden – mit den komplexen Ängsten, die allem menschlichen zugrunde liegen, vorteilhaft verstaut in einer einzigen Lade. Dort ist es sicher.

Jedoch kommt man nicht darum herum auch mal über den Tellerrand hinauszublicken, sei es in der Familie oder in öffentlichen Situationen, wo man sich mit dem Kundtun einer Meinung sofort als angreifbares Zielobjekt fühlt.

Der Mensch lässt sich für solch unangenehme Situationen gerne eine zweite Haut wachsen. Die Haut, die Telefonumfragen und Animateure oder Bettler auf der Straße prinzipiell abwimmelt. Die Haut, die erschreckende Nachrichten aus fernen Ländern nicht durchdringen lässt. Die Haut wächst und verdickt bis plötzlich alles egal scheint, nichts wirklich berühren kann.

Soll Abschottung wirklich die Lösung sein?

Zeit, die schützenden Wände niederzureißen.

Short Description

“Freiheit / Freedom” is the documentary video accompanying the performance “Politische Haut / Political Skin” which emerged from political frustration, the pressure for self-presentation and a general ongoing sense of world weariness. It is comfortable to stay in your own bubble, where nobody will dismiss you as a starry-eyed idealist or a nazi – with the complex fears that underlie everything human all neatly stored in a single drawer. That is where safety lies. Still, there is no going round thinking out of the box sometimes – may it be within the family or public situations where you immediately feel as vulnerable target object upon revealing an opinion.

People tend to grow a second skin for such unpleasant situations.The skin that by default brushes off telephone surveyists, animators and beggars on the street.The skin that shields from shocking news from far away countries.The skin that grows thicker until finally everything seems to be insignificant, nothing can touch you.

Should isolation really be the solution? It is time to tear down the protective walls.

Filmidee „The wheels go round“ / Ideenfindung

In meinem Bachelorprojekt und meiner Bachelorarbeit möchte ich mich mit Medien einer bestimmten, vorwiegend amerikanisch geprägten Ästhetik beschäftigen. Grund dafür ist meine persönliche Anziehung zu einem gewissen Stil, der mich im Laufe meines Lebens immer wieder heimsucht. Das Interessante dabei ist, dass zB. gewisse Rollen mit misogynen Tendenzen, das Rauchen auf der Leinwand und die englische Sprache fixe Bestandteile dieses Gesamtbildes sind und mir sich die Frage stellt, ob die Wirkung aufrecht bliebe wenn man in einer filmischen Arbeit mit diesen Stereotypen brechen würde.

Eine Sammlung verschiedener Medien, die bei mir das gesuchte Gefühl auslösen:

„Ray Banana“ Comic „Die Schatten von Paris“ Titelbild
Haruki Murakami Roman „After Dark“
Album „Aja“ Steely Dan
Wong Kar Wai Filmstills
Wong Kar Wai „In the mood for love“ Filmstill
„Deus Ex“ Computerspiel In-Game Look

Beim Sammeln der Einflüsse, die mich zu der Idee führen, fällt auf, dass Ausstattung/Kostüm und Belichtung eine wichtige Rolle spielen. Obwohl man die Szenen in Murakamis Buch nicht physisch betrachten kann (abgesehen vom Titelbild), werden durch die Vorstellung einer Bar oder eines Hotels in Tokio in Verbindung mit Themen wie Prostitution und Drogenhandel stereotypische Bilder dazu im Leser hervorgerufen.

Die Lichtverhältnisse sind durchwegs eher düster, mit Teilen des Bilds die ganz in Schwarz verloren gehen. Dort, wo Licht zu sehen ist wird mit rotem, gelbem, grünem und violettem Licht gearbeitet.